野小子们

贝特朗·芒蒂格和扬·冈扎乐兹领衔的《火焰宣言》派，是一种在影评人和电影人合谋之下产生的“法国新电影”。它的本质是历史浪潮的回响，是在传统中寻找“革命”。

贝特朗在技术层面博采众长、集先辈之所成，用铅黄的画面和B级片的类型外壳，讲了一个现代性甚至未来指向的关于“性别政治”议题的成人童话。但影片中用于描绘“性别转换”的手段，其源头却是在模仿古老的献祭仪式，并同时在影像中声称“未来属于女巫”。“女巫”的出现，一下子将人们的记忆带到了中世纪甚至更早以前，这样的句法无疑是怀旧而复古的。

在胶片的迭化之间，贝特朗感怀着默片、表现主义和超现实主义的伤逝，那语气看似激进、暴躁，带着要推翻一切的不可置否，其实最后落下的是一声叹息，是在海岛滩涂的潮间带里大口喘息的牡蛎。

从这点来看，盖伊·马丁更具有一种超前性，同时更加淡然且从容，冰天雪地之下的加拿大人早已过了焦虑感伤的阶段，而是兢兢业业地投入一部又一部的具体实践，以延长或者放缓某种传统在现代化中的消亡速度。从《我的温尼伯湖》到《禁忌房间》再到《降神会》，盖伊·马丁模糊了类型，摆脱了叙事，跨越着媒介，最后在网络空间复兴着胶片传统。尤其是《降神会》，一项以阅后即焚的方式进行的网页交互影像实验，每次点击都会将盖伊前作《禁忌房间》的素材进行随意拼贴，组合成一段15分钟的片子，每次生成的都是唯一的版本，放映结束即消失重组。盖伊和约翰逊兄弟对于默片时代影片的逐渐消逝耿耿于怀，那就用“所有人都能成名15分钟”的方式在信息时代去捕捉稍纵即逝吧。

人们在观看“火焰派”的作品之前，往往会带著常规的渴望看到一个好故事的思维定势。但是当你深入到贝特朗和冈扎乐兹的影像世界中去时，你会发现，有一部分电影，它的目的并不在于老老实实地去讲好一个故事，它的意旨可能更加形而上，是关于影像艺术本身的一种探讨和尝试。在现在这个时代，“是否讲了一个好故事”正越来越成为人们评价一部电影的首要标淮，这种评价体系的迷信是需要被警惕的，没有任何一个标淮是永远最为重要的。看待任何一部作品，都应该放在一个纵向的影史发展序列的角度，以及一个横向的同时代风潮的切面情况角度。这裡的“风潮”是一个综合的概念，即包括产业政策与行业风向，也包括创作者个人的创作倾向和成长轨迹。

因为电影是不可自证的，它无法自己告诉你它的样貌体态是如何诞生演化的，它也无法自证表达方式的对错，因为在各式的影像文本中本就不存在绝对的对错。所以，电影必须通过一次次实践来反浪潮，通过“自反”来互证。于是，关于电影的电影，或者说讨论电影本体的电影，才更难能可贵；在这时候，讲一个好故事远不如直接纯粹地去探索一个电影问题来得有意思。

因此，在一八一九的岁末年初，大陆的观众看到了《摄影机不要停》也看到了《刺心》《野小子们》，我们的第一直觉告诉我们：《摄影机不要停》很可爱，《野小子们》很可敬。两部都是关于电影的电影，前者在多重摄影机的套层结构里告诉观众电影的不可自证性，必须通过不断加入的“他者”来旁观、佐证；后者在铅黄胶片的迭化之中指向未来，告诉人们电影自救和保鲜的唯一方式就是逆着时代行走，可在过往浪潮中淘金，也可在老枝上育新芽。

《火焰宣言》

by 贝特朗·芒蒂格、扬·冈扎乐兹

我们追求这样一种电影，它

跨越人，情感，时间

跨越眼睛与肉体

跨越欲望，混乱

跨越一片红

跨越成见

跨越屏幕

跨越星星

跨域女演员，男演员，界限与性别

跨越而不回头

跨越恐惧与伤疤

跨越希望

跨越光芒与烟火

我们追求一种着火的电影

一种电影，为了流汗的幻想者，为了哭泣的怪物，为了发烫的孩童

一种电影，纵情消耗，毫无保留

我们邀请所有着火的心脏在热炭上吹风

这些话语是我们创作电影共同的意志

梦它，想它，渴望它，揭示它

不是教条，只是夜里的一星火，是现在的我们

有人说，在冬天寒冷的夜晚，我们的电影在森林里重聚，

在一起，它们燃起一把火跳动到拂晓，烧着我们的心

看到有长评对影片的“低劣”进行鞭笞，不由难受，但也不愿争论。转一篇导演拍此片的灵感来源，可能让看了不明就里的伙伴多一点对影片的理解吧……

标题：Bertrand Mandico's Inspirations for "The Wild Boys"

链接//mubi.com/notebook/posts/bertrand-mandico-s-inspirations-for-the-wild-boys?dt_dapp=1

From Kenneth Anger and “Lord of the Flies” to Terence Stamp and David Bowie, an annotated list of inspirations for Mandico’s debut.

14 SEP 2018

Bertrand Mandico's The Wild Boys (2017), which is receiving an exclusive global online premiere on MUBI, is showing September 14 – October 14, 2018 as a Special Discovery.

French director Bertrand Mandico shared with us the films he thought about before, during, and after making his feature debut, The Wild Boys:

ISLANDS

The Saga of Anatahan

Matango: Attack of the Mushroom People (Ishiro Honda, 1963): The island and its fauna and flora, the mushroom-men, the sinking. A sublime film.

Lord Jim (Richard Brooks, 1965): The tempest sequence in the opening and the cowardice of Lord Jim—an amazing film.

A High Wind in Jamaica (Alexander Mackendrick, 1965): For the confusion of the captain played by Antony Quinn, the phlegm of James Coburn and the beauty of his young crew.

The Sailor Who Fell from Grace with the Sea (Lewis John Carlino, 1976): For the erotic figure of the Captain (Kris Kristofferson) and its clique of violent boys.

Remorques (Jean Grémillon, 1941): A romantic and captivating film with sequences on the boat that were inspiring.

Horrors of Malformed Men (Teruo Ishii, 1969): Teruo Ishii is a filmmaker who troubles me and provokes me. By adapting Edogawa Rampo, he brings us into an organic and grotesque islander fantasy.

Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979): For the baroque trip in the jungle.

Sorcerer (William Friedkin, 1977): For the Gothic trip in the jungle.

Profound Desire of the Gods (Shohei Imamura, 1968): The masterpiece of Imamura, an esoteric and environmental fresco on an island. Old beliefs, cruelty, and modernity are confronted in a cloudy eroticism.

Burden of Dreams (Les Blank, 1982): In this making-of, the insane figure of Kinski in the jungle is even more worrying than Herzog. Shot with determination.

The Young Ones (Luis Buñuel, 1960): The only American film from Buñuel, the desire and the island.

Hell in the Pacific (John Boorman, 1968): The island again and again, but here the desire becomes an absurd fight.

Zombie (Lucio Fulci, 1979): For the surrealistic underwater scene, a shark bitten by a zombie, the blood and the lagoon.

Lord of the Flies (Peter Brook, 1963): Perfect adaptation, a matrix film for The Wild Boys.

The Saga of Anatahan (Josef von Sternberg, 1953): An islander film shot in studio, a lot of desire again, a queen and her hive.

Water Wrackets (Peter Greenaway, 1975): Shooting the water.

Young Aphrodites (Nikos Koundouros, 1963): Scenes on the beach, of youth, lost paradise.

EROTICISM

Querelle

The Beast (Walerian Borowczyk, 1975): Opening sequence with horses, the sex geyser of the beast.

Mandara (Akio Jissoji, 1971): A director that I love, wrongly forgotten. The scenes with the woman attacked on the beach are as violent, unbearable, modest as they are sublime.

Querelle (Rainer Werner Fassbinder 1982): Fassbinder and Genet meet again for a sexual and colorful film. There is a mention of Querelle in The Wild Boys.

Asparagus (Suzan Pitt, 1979): The flora sexualized.

Shivers (David Cronenberg, 1975): Cronenberg's film most influenced by Ballard/Burroughs. The virus doesn't turn you into a monster but into a pleasure-seeker.

Onibaba (Kaneto Shindo, 1964): The mask, the erotism and the tall grass.

STYLE

Fantastic Planet

Confessions of an Opium Eater (Albert Zugsmith, 1962): For the sequence of the captain (Vincent Price) under Opium… Sublime superimpositions.

Island of Lost Souls (Erle C. Kenton, 1932): Charles Laughton is already thinking of The Night of the Hunter when he plays Moreau in its white costume which contrast strongly with the studio's tropical night.

Mishima: A Life in Four Chapters (Paul Schrader, 1985): The construction of the film with its rupture of style which paradoxically forms a coherent style.

Fantastic Planet (René Laloux, 1973): For the sublime and free imagery.

Naked Pursuit (Toshio Okuwaki, 1969): A film that reminds me of the minimalist and radical apparatus Koji Wakamatsu. Here, a woman is followed by a man onto a beach of black sand, where from time to time the color erupts.

The Sea Wolf (Michael Curtiz, 1941): For its boat in a studio and its permanent fog.

A Midsummer Night's Dream (Max Reinhardt/William Dieterle, 1935): The usage of the star filter, the magical double exposure. The apparition of Kenneth Anger as a kid (at least that's what he says).

Hercules in the Haunted World (Mario Bava, 1961): The studio and its unrealistic colors pushed to the extreme, the organic caves and ultra props.

The Fog (John Carpenter, 1980): Bright eyes in the fog.

The Mad Masters (Jean Rouch, 1955): Its trances, as beautiful as they are worrying, influence the abandoning scenes in The Wild Boys.

Lola Montes (Max Ophüls, 1955): The inserted story in the memories, the masked groom, the dancing camera.

The Elephant Man (David Lynch, 1980): Absolute Black & White.

The Strange Vice of Mrs. Wardh (Sergio Martino, 1971): For the wonderful music of Nora Orlandi, the only woman who was making music in Italy. I use this original soundtrack in my film.

Macbeth (Roman Polanski, 1971): The incredible scenes of witches in what is, for me, the most beautiful adaptation of Macbeth in cinema.

Treasure Island (Raúl Ruiz, 1985): Visual inventions, surrealism, and absolute freedom.

MEN AND WOMEN

Billy Budd

Space Pirate Captain Harlock (Rintaro, 1978): A romantic animation series which I was fascinated by as a kid, particularly the figure of the sylvidres: Femmes fatales from space. Seeing them die in the episodes was heartbreaking for me.

Fighting Elegy (Seijun Suzuki, 1966): The Japanese uniform, the teenaged young boys, violent and clumsy.

Noroît (Jacques Rivette, 1976): Rivette and his female characters who plays pirates, free team and esoteric. It's a director whose freedom and love for his actresses inspires me.

Rumble Fish / The Outsiders (Francis Ford Coppola, 1983/83): Two brothers, films of romantic groups of men.

Billy Bud (Peter Ustinov, 1962): Terence Stamp, the angel-sailor.

Merry Christmas, Mr. Lawrence (Nagisa Oshima, 1983): David Bowie, the angel in uniform.

The Night Porter (Liliana Cavani, 1974): I don't like that film, but I like Bogarde and Rampling. And the troubling clothes and objectively beautiful Rampling: suspenders and cap.

The End of August at Hotel Ozone (Jean Schmidt, 1967): Group of girls in nature and survival…

TOTAL INSPIRATION

Scorpio Rising

Zero for Conduct / L’Atalante (Jean Vigo, 1933/34): The biggest director of desire, the pillow fight in Zero for Conduct, Père Jules and the crew in L’Atalante, the underwater scenes… All the shots are haunting me and inspire me.

Shadows of Forgotten Ancestors (Sergei Parajanov, 1964): Because like Vigo's films, it's a film which never stop nourishing me.

A Clockwork Orange (Stanley Kubrick, 1971): I've seen it again and again to embrace it and also get away from it.

Un chant d’amour (Jean Genet, 1950): The most beautiful French film.

Kenneth Anger: All his films

The Blood of a Poet (Jean Cocteau, 1932): Cocteau forever.

看了海报，被用色，画面人物眼神所吸引，决定看本片。

开头很诡异一个满身伤和污泥的不知是男还是女的这么一个人，走啊走，看到一瓶液体喝了，然后又莫名其妙的用头撞岩石，接着一群海盗水手模样猥琐的大叔，把这么一个人脱到一边，扒掉裤裤，呀！居然连小裤裤都不穿！呃，男的？重点部位居然是用乳胶做的假的，好吧这才明白，全片所谓的野小子们全是女的演的。镜头拉近，猥琐的大叔们翻过这个【小子】的身子，大屁股暴露在面前，一群人很兴奋，趴在【小子】身后的，一旁上下其手的……(呃……艺术？批判？反讽？奇幻？不懂！)

一个很生硬无趣的旁白出现，问了一堆问题，介绍了一堆。画面出现几个面具【小子】，他们轮了一个女人，还疯狂的掏出小鸟快速的撸邦邦，然后喷泉啦，飞溅啦，扫射啦…那个量惊人啊，哗哗的往女的身上洒啊……跟洒花露水似的，难道男生的那个液不要钱就能像矿泉水那般浪费么？这么多，人能受得了么？变干尸么？好吧我担哪门子心。(呃……呃……这是弄啥捏，额四山顶洞人，额真心不懂，实验片？噢，看来岛国的爱情99技也是艺术，嗯，以后不用偷偷看艺术片了……)

随后剧情出现一个船长，奴役了【小子】们，把他们当狗一样捆起来，各种尿尿，露各种橡胶鸟，还大鸟上有地图……到此我这般粗俗扛大米之流完全没有看下去的想法了，怎么说，这更像是一台猎奇的舞台剧，用了很多手法来阐述，当然这种赤裸裸的表现也是一种，但我更愿意看一个故事而不是用各种奇艺的表达去体会别人要说什么…………

多的不说了，唯一建议保持着看稀奇的心态去看这片，那样你会开心平静得多……

你不可否认有隐喻性别政治但也不光讲这个很实验的现实主义 首尾呼应开头结尾都提到了文明两字 从镜头和场景里快要溢出来的迷幻 由各个晦涩又裸露的细节堆砌起来想要达到目的表明主体 很大胆 开片二十来分钟样子 我看到的只是欲望罪恶人性能怎样被开发以及联想恶意是无法摧毁的 于是我们只有充分利用另一种恶意 去制服抗衡直到两者消亡 片子又进展点会看到反自然主义的出现 这时会觉得是一点点引诱你 对性别的进阶蜕变的一系列描述和辩解过程 像撕开一层层外衣每层被撕开的不一样 确实惊喜影片结束才发现每层主导却是文明与阉割 奴隶化的本能与人性 回想情节扣的很紧正因如此所以太碎片化了 以内容来讲节奏相对于杂 倒不乱因为太隐晦了

先是点燃她盛开的身体和蘑菇，在审判中

男孩们谎称被迫殖民于性别与戏剧的互文。

如同多年以前，骨制的人形积木尚未拼凑出

一座欧陆城市的雏形。那船长曾驯服过海洋

现轮到他们了（实验开始）：以金发少年为首

意图攻甲板占船舱称君王。水手们，

拉紧绳索！君不见雾中风暴、漩涡

挂起的雪；只道路途遥远何时归，惧怕

不完整就死去，不似女人。匕首藏在

掌舵者的胯下，对此已觊觎许久：

他的身上画满地图、器官和即将抵达的消息。

长满牡蛎的岛屿通往丰饶的性腺，而朗姆酒，

朗姆酒是激素，洒在被阉割的精神即伤口。一场

焚烧过后，男孩们长出一只乳(革命结束)。

在精神分析话语体系的场域中，片子看似讲得是，父母希望孩子被规训，让孩子参加航海军训，其实在说原初享乐和无法突破的符号秩序产生不可调和冲突，从而主体爱欲必须环绕菲勒斯隔海相望。这片子足够让精神分析师高潮。

影片早期，男孩们处于符号秩序笼罩的学校，这种权利控制空间应该每个受过义务教育的人都体会过，区别于传统的东方学制，导演创造出了一个富有原初吸引力的女教师形象，不为男权主义者眼中投射，成为淫荡和依附性集合，而是未成年恋母症候中共生的存在。阳具能指需要被满足，师生关系产生出一种男孩追逐母子共同体情节结构，菲勒斯不断涌现，却无法重回初阶血亲的恋母阶段，阉割焦虑产生。

在拉康的观点中，父亲的出现，并不表示另一种外在符号秩序的介入，反而预告菲勒斯必然的勃起失败，完整的大他者必然不存在，无论是男孩还是女孩都必须成认自己无法成为主人能指的宣告方。

酷儿症结的发生所在，也是部电影解释的意义所在，完成弑父环节之后，岛上的男孩们似乎无法受控的去选择两种性化途径，反而被一种外在的具有原初享乐性质所诱惑，导致通过符号秩序的异变，不可控的结构出性别，象征着意志性化的失败。即便是有充足主体意识觉醒的情况下，现代人无法摆脱主体性永远的不完整，我们需要通过无穷的想象一步一步的去接近被象征所遗忘，被实在所抛弃，被符号所剩余的比虚无更无法言说的存在。

迫于急切的去性化灌输意识，使得一部酷儿电影需要不断在自由主义大行其道的当下成为被扮演的角色，却无法言说包装在梦幻精致当中的符号秩序暴力，我们只能看见他们用火焰焚烧骨头产生燃料，向太空抛去沉默，刻意的修饰银河。

在我看来，酷儿主义只能是伪命题，因为异性恋无法自己成为异性恋，同性恋无法自己成为同性恋，但是我们需要这样的影像，一种浪漫理想主义的笔调，我们依然拥有感知现实的内驱力，拥有迎接崩塌的冲突力，拥有冲突本身存在的无限自由，我们应该从意识形态争锋当中，突破他人主体间性的实践总结，把行动的张力笼罩想象性的剩余上，刺穿那层藏匿于剥削上的覆膜，我们拥有粉碎和重塑雕像的权利。